Напишите отзыв о статье «Монтеверди, Клаудио»

Примечания

Литература

• Bukofzer M. Music in the Baroque era. New York, 1947.
• Schrade L . Monteverdi, creator of modern music. London, 1950.
• Бронфин Е. Клаудио Монтеверди. — Л., Музыка, 1970.
• Конен В. Д. Монтеверди. Москва, 1971.
• Arnold D . Monteverdi. London, 1975.
• The letters of Claudio Monteverdi, ed. by D. Stevens. London, 1980.
• Arnold D., Fortune N. The new Monteverdi companion. London, Boston, 1985.
• Carter T. Music in late Renaissance and early Baroque Italy. London, 1992.
• Скудина Г. Клаудио Монтеверди: Орфей из Кремоны. Москва, 1998.
• Whenham J., Wistreich R . The Cambridge companion to Monteverdi. Cambridge, New York, 2007.

Ссылки

• Монтеверди, Клаудио: ноты произведений на International Music Score Library Project
• Соловьёв Н. Ф. // Энциклопедический словарь Брокгауза и Ефрона : в 86 т. (82 т. и 4 доп.). — СПб. , 1890-1907.
• from Vespro della Beata Vergine as interactive hypermedia at the

В Петербурге в это время в высших кругах, с большим жаром чем когда нибудь, шла сложная борьба партий Румянцева, французов, Марии Феодоровны, цесаревича и других, заглушаемая, как всегда, трубением придворных трутней. Но спокойная, роскошная, озабоченная только призраками, отражениями жизни, петербургская жизнь шла по старому; и из за хода этой жизни надо было делать большие усилия, чтобы сознавать опасность и то трудное положение, в котором находился русский народ. Те же были выходы, балы, тот же французский театр, те же интересы дворов, те же интересы службы и интриги. Только в самых высших кругах делались усилия для того, чтобы напоминать трудность настоящего положения. Рассказывалось шепотом о том, как противоположно одна другой поступили, в столь трудных обстоятельствах, обе императрицы. Императрица Мария Феодоровна, озабоченная благосостоянием подведомственных ей богоугодных и воспитательных учреждений, сделала распоряжение об отправке всех институтов в Казань, и вещи этих заведений уже были уложены. Императрица же Елизавета Алексеевна на вопрос о том, какие ей угодно сделать распоряжения, с свойственным ей русским патриотизмом изволила ответить, что о государственных учреждениях она не может делать распоряжений, так как это касается государя; о том же, что лично зависит от нее, она изволила сказать, что она последняя выедет из Петербурга.
У Анны Павловны 26 го августа, в самый день Бородинского сражения, был вечер, цветком которого должно было быть чтение письма преосвященного, написанного при посылке государю образа преподобного угодника Сергия. Письмо это почиталось образцом патриотического духовного красноречия. Прочесть его должен был сам князь Василий, славившийся своим искусством чтения. (Он же читывал и у императрицы.) Искусство чтения считалось в том, чтобы громко, певуче, между отчаянным завыванием и нежным ропотом переливать слова, совершенно независимо от их значения, так что совершенно случайно на одно слово попадало завывание, на другие – ропот. Чтение это, как и все вечера Анны Павловны, имело политическое значение. На этом вечере должно было быть несколько важных лиц, которых надо было устыдить за их поездки во французский театр и воодушевить к патриотическому настроению. Уже довольно много собралось народа, но Анна Павловна еще не видела в гостиной всех тех, кого нужно было, и потому, не приступая еще к чтению, заводила общие разговоры.
Новостью дня в этот день в Петербурге была болезнь графини Безуховой. Графиня несколько дней тому назад неожиданно заболела, пропустила несколько собраний, которых она была украшением, и слышно было, что она никого не принимает и что вместо знаменитых петербургских докторов, обыкновенно лечивших ее, она вверилась какому то итальянскому доктору, лечившему ее каким то новым и необыкновенным способом.
Все очень хорошо знали, что болезнь прелестной графини происходила от неудобства выходить замуж сразу за двух мужей и что лечение итальянца состояло в устранении этого неудобства; но в присутствии Анны Павловны не только никто не смел думать об этом, но как будто никто и не знал этого.
– On dit que la pauvre comtesse est tres mal. Le medecin dit que c»est l»angine pectorale. [Говорят, что бедная графиня очень плоха. Доктор сказал, что это грудная болезнь.]
– L»angine? Oh, c»est une maladie terrible! [Грудная болезнь? О, это ужасная болезнь!]
– On dit que les rivaux se sont reconcilies grace a l»angine… [Говорят, что соперники примирились благодаря этой болезни.]
Слово angine повторялось с большим удовольствием.
– Le vieux comte est touchant a ce qu»on dit. Il a pleure comme un enfant quand le medecin lui a dit que le cas etait dangereux. [Старый граф очень трогателен, говорят. Он заплакал, как дитя, когда доктор сказал, что случай опасный.]
– Oh, ce serait une perte terrible. C»est une femme ravissante. [О, это была бы большая потеря. Такая прелестная женщина.]
– Vous parlez de la pauvre comtesse, – сказала, подходя, Анна Павловна. – J»ai envoye savoir de ses nouvelles. On m»a dit qu»elle allait un peu mieux. Oh, sans doute, c»est la plus charmante femme du monde, – сказала Анна Павловна с улыбкой над своей восторженностью. – Nous appartenons a des camps differents, mais cela ne m»empeche pas de l»estimer, comme elle le merite. Elle est bien malheureuse, [Вы говорите про бедную графиню… Я посылала узнавать о ее здоровье. Мне сказали, что ей немного лучше. О, без сомнения, это прелестнейшая женщина в мире. Мы принадлежим к различным лагерям, но это не мешает мне уважать ее по ее заслугам. Она так несчастна.] – прибавила Анна Павловна.
Полагая, что этими словами Анна Павловна слегка приподнимала завесу тайны над болезнью графини, один неосторожный молодой человек позволил себе выразить удивление в том, что не призваны известные врачи, а лечит графиню шарлатан, который может дать опасные средства.
– Vos informations peuvent etre meilleures que les miennes, – вдруг ядовито напустилась Анна Павловна на неопытного молодого человека. – Mais je sais de bonne source que ce medecin est un homme tres savant et tres habile. C»est le medecin intime de la Reine d»Espagne. [Ваши известия могут быть вернее моих… но я из хороших источников знаю, что этот доктор очень ученый и искусный человек. Это лейб медик королевы испанской.] – И таким образом уничтожив молодого человека, Анна Павловна обратилась к Билибину, который в другом кружке, подобрав кожу и, видимо, сбираясь распустить ее, чтобы сказать un mot, говорил об австрийцах.
– Je trouve que c»est charmant! [Я нахожу, что это прелестно!] – говорил он про дипломатическую бумагу, при которой отосланы были в Вену австрийские знамена, взятые Витгенштейном, le heros de Petropol [героем Петрополя] (как его называли в Петербурге).
– Как, как это? – обратилась к нему Анна Павловна, возбуждая молчание для услышания mot, которое она уже знала.
И Билибин повторил следующие подлинные слова дипломатической депеши, им составленной:
– L»Empereur renvoie les drapeaux Autrichiens, – сказал Билибин, – drapeaux amis et egares qu»il a trouve hors de la route, [Император отсылает австрийские знамена, дружеские и заблудшиеся знамена, которые он нашел вне настоящей дороги.] – докончил Билибин, распуская кожу.
– Charmant, charmant, [Прелестно, прелестно,] – сказал князь Василий.
– C»est la route de Varsovie peut etre, [Это варшавская дорога, может быть.] – громко и неожиданно сказал князь Ипполит. Все оглянулись на него, не понимая того, что он хотел сказать этим. Князь Ипполит тоже с веселым удивлением оглядывался вокруг себя. Он так же, как и другие, не понимал того, что значили сказанные им слова. Он во время своей дипломатической карьеры не раз замечал, что таким образом сказанные вдруг слова оказывались очень остроумны, и он на всякий случай сказал эти слова, первые пришедшие ему на язык. «Может, выйдет очень хорошо, – думал он, – а ежели не выйдет, они там сумеют это устроить». Действительно, в то время как воцарилось неловкое молчание, вошло то недостаточно патриотическое лицо, которого ждала для обращения Анна Павловна, и она, улыбаясь и погрозив пальцем Ипполиту, пригласила князя Василия к столу, и, поднося ему две свечи и рукопись, попросила его начать. Все замолкло.

Первый концерт обновленного хора Пермской оперы

Евгений Воробьев, главный хормейстер театра:

— На концерте прозвучит музыка, написанная в период продолжительностью почти в сто лет. Ее авторы были широко известны в свое время и внесли значительный вклад в историю. Музыка XVI—XVII веков для нас малоизвестна, мы ориентируемся в ней по одному-двум популярным именам, например, Монтеверди. А ведь в этот период творили десятки авторов, были написаны тысячи произведений. Наша задача — показать музыкальную палитру эпохи, которая проявлялась в одном и том же жанре в стилевой эволюции. 

Жанр мадригала предполагает исполнение небольшими ансамблями. Участие в концерте 19 декабря примет не весь хор театра, в котором сейчас состоит 68 артистов. Итальянские песни Средневековья исполнят 20 певцов, среди которых есть и уже знакомые пермскому зрителю солисты, и артисты, недавно пополнившие коллектив.

Ценителей старинной музыки ждут комфортная камерная атмосфера и экспертные комментарии главного хормейстера о том, как создавались исполняемые произведения, и о текстах песен. 

Евгений Воробьев:

— Мадригал — сочинение, рассчитанное на камерное звучание, поэтому мы проводим этот концерт в фойе театра, где нет разделения пространства на сцену и зрительный зал. Кроме того, здесь подходящая для такого рода музыки акустика.

Узнать больше о жанре мадригала можно из видео Пермской оперы. Купить билеты на Вечер итальянских мадригалов — на сайте театра.

возникновение жанра, структура и виды оперы

…

Вконтакте

Facebook

Twitter

Google+

Мой мир

Из чего состоит опера

С чего начинается

Она начинается с увертюры. Это вступление, исполняемое симфоническим оркестром. Призвано задать настроение и атмосферу пьесы.

Это интересно: зачем в обществе существуют правила этикета, общепринятые правила поведения.

Чем продолжается

За увертюрой следует основная часть спектакля. Это грандиозное действо, разделённое на акты — законченные части представления, между которыми пролегают антракты. Антракты могут быть длинными, чтобы зрители и участники постановки могли отдохнуть, или короткими, когда занавес опускают, только чтобы сменить декорации.

Главным телом, движущей силой всей оперы являются сольные арии. Их исполняют актёры — персонажи истории. Арии раскрывают сюжет, характер и чувства героев. Иногда между ариями вставляются речитативы — напевные ритмичные реплики — или обычная разговорная речь.

Литературная часть основывается на либретто. Это своего рода сценарий, краткое содержание произведения. В редких случаях стихи пишут сами композиторы, как, например, Вагнер. Но чаще всего слова для оперы пишет либреттист.

На чём заканчивается

Финалом оперного представления служит эпилог. Эта часть выполняет туже функцию что и литературный эпилог. Это может быть рассказ о дальнейшей судьбе героев, или подведение итогов и определение морали.

Это интересно: где в Москве находится Третьяковская галерея, адрес.

История оперы

В Википедии можно найти обширную информацию на эту тему, но в данной статье предоставлена сжатая история упомянутого музыкального жанра.

Античная трагедия и Флорентийская камерата

Вторую жизнь античная трагедия получила в конце XVI столетия. Возродить древнюю традицию решило содружество поэтов и музыкантов — Флорентийская камерата. Они создали новый жанр, названный «драмой через музыку». В противовес популярной в то время полифонии, произведения камераты представляли собой одноголосные мелодичные декламации. Театральная постановка и музыкальное сопровождение были призваны лишь подчеркнуть экспрессивность и чувственность поэзии.

Это интересно: элитарная культура — примеры, отличия от массовой культуры.

Считается, что первая оперная постановка увидела свет в 1598 году. К сожалению, от произведения «Дафна», написанного композитором Якопо Пери и поэтом Оттавио Ринуччини, в наше время осталось только название. Зато их же перу принадлежит «Эвридика», которая является самой ранней из сохранившихся опер. Однако это славное произведение для современного общества — всего лишь отзвук прошлого. Зато оперу «Орфей», написанную знаменитым Клаудио Монтеверди в 1607 году для мантуанского двора, и по сей день можно увидеть в театрах. Род Гонзага, который правил в те времена в Мантуе, внёс значительный вклад в зарождение оперного жанра.

Драматический театр

Членов Флорентийской камераты можно назвать «бунтарями» своего времени. Ведь в эпоху, когда моду на музыку диктует церковь, они обратились к языческим мифам и легендам Греции, отрёкшись от принятых в обществе эстетических норм, и создали что-то новое. Однако ещё раньше их необычные решения привнёс драматический театр. Это направление развевалось в эпоху Возрождения.

Экспериментируя и ориентируясь по зрительской реакции, этот жанр вырабатывал собственный стиль. Представители драматического театра использовали в своих постановках музыку и танцы. Новый вид искусства пользовался огромной популярностью. Именно влияние драматического театра помогло «драме через музыку» выйти на новый уровень выразительности.

Оперное искусство продолжало развиваться и набирать популярность. Однако по-настоящему этот музыкальный жанр расцвёл в Венеции, когда в 1637 году Бенедетто Феррари и Франческо Манелли открыли первый публичный оперный театр «Сан-Кассиано». Благодаря этому событию, музыкальные произведения данного вида перестали быть увеселением для придворных и вышли на коммерческий уровень. В это время начинается царствование кастратов и примадонн в мире музыки.

Распространение за рубежом

Первая итальянский представитель жанра, представленный заграницей, назывался «Галатея». Он был исполнен в 1628 году в городе Варшаве. Недолго после, при дворе было исполнено ещё одно произведение — «La liberazione di Ruggiero dall’isola d’Alcina» Франчески Каччини. Эта работа также самая ранняя из дошедших до нас опер, написанных женщинами.

«Ясон» Франческо Кавалли была самой популярной оперой XVII века. В связи с этим в 1660 году он был приглашён во Францию на свадьбу Людовика XIV. Однако его «Ксеркс» и «Влюблённый Геракл» не возымели успех у французской публики.

Антонио Чести, которого попросили написать оперу для австрийского рода Габсбургов, добился большего успеха. Его грандиозный спектакль «Золотое Яблоко» длился два дня. Небывалый успех отметил возвышение итальянской оперной традиции в европейской музыке.

Сериа и буффа

В XVIII веке особую популярность приобрели такие жанры оперы, как сериа и буффа. Хотя оба они зародились в Неаполе, два жанра представляют собой принципиальные противоположности. Опера-сериа буквально означает «серьёзная опера». Это продукт эпохи классицизма, который поощрял в искусстве чистоту жанра и типизацию. Сериа отличается следующими качествами:

• исторические или мифологические сюжеты;
• преобладание речитативов над ариями;
• разделение роли музыки и текста;
• минимальная индивидуализация персонажей;
• статичность действий.

Наиболее успешным и знаменитым либреттистом в этом жанре был Пьетро Метастазио. На лучшие из его либретто писали по десятку опер разные композиторы.

В это же время параллельно и независимо развивается комедийный жанр буффа. Если сериа рассказывает истории прошлого, то буффа посвящает свои сюжеты современным и обыденным ситуациям. Вылился этот жанр из коротких комедийных сценок, которые ставились в антрактах основного спектакля и являлись отдельными произведениями. Постепенно этот вид искусства приобрёл популярность и реализовался в качестве полноценных самостоятельных представлений.

Глюковская реформа

Свою реформу он начал в 1762 году в Вене. Совместно с либреттистом Раньери де Кальцабиджи он поставил три пьесы, однако они не получили отклика. Тогда в 1773 году он отправился в Париж. Его реформаторская деятельность длилась вплоть до 1779 года, и вызвала много споров и волнений в среде любителей музыки. Идеи Глюка оказали большое влияние на развитие жанра оперы. Они также нашли отражение в реформах XIX века.

Виды оперы

За более чем четырёхвековую историю оперный жанр претерпел много изменений и многое принёс в музыкальный мир. За это время выделилось несколько видов оперы:

• Опера-балет. Здесь важная роль отводится танцу. Сформировался во Франции в XVII—XVIII вв. и был очень популярен при дворе, но со временем изжил себя.
• Комическая. Этому виду свойствен юмор, динамичность и житейские сюжеты.
• Опера спасения. Появилась во Франции, во времена Великой французской революции. Для этого направления характерны тема героики, пафос, напряжённость повествования и обязательный счастливый конец.
• Романтическая. Романтические сюжеты с примесью мистики. Зародилась в Германии, в XIX в.
• Большая опера. Главное направление оперы, появившееся после Великой французской революции. Характеризуется эпичными историческими сюжетами и красочностью.
• Оперетта. Эстрадное направление, тесно связанное с комической оперой. Патологоанатом кто это читайте в нашей статье.

Что такое опера и как она появилась смотрите в видеоролике.

Клаудио Монтеверди: биография, видео — medici.tv

One of the major composers in Western music, a musician between Renaissance and Baroque era, Claudio Monteverdi left a great musical heritage that deeply marked the history of music, from the renewal he gave to the genre of the madrigal, to the first opera masterpieces he composed when the genre appeared.

Monteverdi, the ambassador of madrigal

One of the composers of the golden age of madrigals, doted with a brilliant literary culture, Claudio Monteverdi truly contributed to renew the genre of these small musical poems, with the highly expressive power of his music and scores he really put to serve poetic words. He published his first madrigals aged only 16, the Madrigali Spirituali, and composed dozens of madrigals during his life. Among them are some of his most beautiful scores. He firstly composed his madrigals according to the conventional polyphonic shape and then introduced in it the shape of accompanied monody. He also perfectly mastered musical counterpoints. Claudio Monteverdi was the last composer of the genre of the madrigal.

Monteverdi’s sacred music

Although Monteverdi composed numerous religious work commissioned by his masters, some important facts make us better understand the central role of sacred music in his life. After having studied with Marcantonio Ingegneri, director of music at Cremona’s cathedral, the young Claudio Monteverdi composed aged only 15 a remarkable collection of small sacred canticles he dedicated to his mentor. Afterwards, he was appointed maestro di cappella at St Mark’s Basilica in Venice, a position he kept until his death in 1643. The Vespro della Beata Vergine (Vespers for the Blessed Virgin) he composed in 1610 remains one of his major works in sacred music. Lastly, the composer was ordained priest in 1632 after the death of his wife.

Monteverdi and the birth of opera

Above all, Claudio Monteverdi is one of the first composers who left masterpieces of the operatic genre that was appearing at that time. In a way, he was a kind of precursor in introducing ballo (small musical pieces staged) in his madrigals. On this point, one of his most popular ballo is the Combattimento di Tancredi e Clorinda. From the first opera L’Orfeo he composed that was the first masterwork of the repertoire, to the last he composed in 1642, L’Incoronazione di Poppea one year before his death, Claudio Monteverdi left to posterity remarkable operas and became the most popular composer of his times.

Serafima Tuloose — Биография Монтеверди

Клаудио Монтеверди родился в Кремоне. Точно известна лишь дата его крещения —15 мая 1567 года. Кремона — северо-итальянский город, который издавна славился как университетский и музыкальный центр с превосходной церковной капеллой и чрезвычайно высокой инструментальной культурой. В XVI—XVII веках целые семейства знаменитых кремонских мастеров — Амати, Гварнери, Страдивари — изготовляли смычковые инструменты, равных которым по красоте звука не было и нет нигде.

Отец композитора был медиком, сам он, возможно, получил университетское образование и еще в юности сложился не только как музыкант, искусный в пении, игре на виоле, органе и сочинении духовных песен, мадригалов и канцонетт, но и как художник весьма широкого кругозора и гуманистических взглядов. Сочинению его обучал известный тогда композитор Марк Антонио Индженьерн, служивший капельмейстером кремонского собора.

В 1580-х годах Монтеверди жил в Милане, откуда по приглашению герцога Винчензо Гонзага он, двадцати трех лет от роду, отправился к мантуанскому двору в качестве певца и виртуоза на виоле. Впоследствии (с 1601 года) он стал придворным капельмейстером у Гонзага. Документальные материалы, и, прежде всего, переписка самого композитора, повествуют о том, что жизнь его была там отнюдь не сладкой он страдал от деспотизма и жадности своих меценатов, властно и мелочно опекавших его труд и обрекавших его на подневольное существование. «Я предпочел бы просить милостыню, чем подвергаться снова такому унижению», — писал он впоследствии. Тем не менее, именно в этих трудных условиях Монтеверди окончательно сформировался как зрелый и выдающийся мастер — создатель произведений, обессмертивших его имя. Усовершенствованию его искусства способствовала повседневная работа с превосходными ансамблями придворной капеллы и церкви Св. Варвары, странствования по Европе в свите Гонзага в Венгрии, Фландрии, общение с выдающимися современниками, среди которых были такие гениальные художники, как, например, Рубенс. Но особенно важным фактором прогресса была для Монтеверди свойственная ему скромность, неустанный труд и исключительно строгая взыскательность к собственным сочинениям. В 1580-1600-х годах в Кремоне, Милане и Мантуе были написаны первые пять книг прекрасных мадригалов пятиголосного склада.

Значение этого жанра в формировании творческого метода и всей артистической индивидуальности мастера было огромно. Дело не только в том, что в наследии Монтеверди мадригал количественно доминирует над другими (всего около двухсот произведений на тексты Тассо, Марине, Гварини, Стриджо и других поэтов). Именно эта жанровая сфера стала для Монтеверди творческой лабораторией, где им еще в молодости предприняты были самые смелые новаторские начинания. В хроматизации лада он значительно опередил мадригалистов XVI столетия, не впадая, однако, в субъективистскую изощренность. Огромным прогрессивным приобретением Монтеверди явилось блистательно осуществленное слияние ренессансной полифонии и нового гомофонного склада — драматически индивидуализированной мелодии разнообразнейших типов с инструментальным сопровождением. Эта, по определению самого композитора, «вторая практика», нашедшая полное и яркое выражение в пятой книге пятиголосных мадригалов, стала путем к достижению высшей эстетической цели художника, к поиску и воплощению правды и человечности. Потому, в отличие, скажем, от Палестрины, с его религиозно-эстетическими идеалами, Монтеверди, хотя и начинал свой путь с культовой полифонии, со временем утвердился в чисто светских жанрах.

Ничто не привлекало его так, как обнажение внутреннего, душевного мира человека в его драматических коллизиях и конфликтах с окружающим миром. Монтеверди — подлинный первооснователь конфликтной драматургии трагедийного плана. Он — истый певец душ человеческих. Он настойчиво стремился к естественной выразительности музыки. «Речь человеческая — повелительница гармонии, а не служанка ее». Монтеверди — решительный противник идиллического искусства, не идущего дальше звукописи «амурчиков, зефирчиков да сирен». И поскольку его герой — герой трагический, «мелопоэтические фигуры» его отличаются остро напряженным, зачастую диссонантным интонационным строем. Закономерно, что этому мощному драматическому началу, чем дальше, тем более тесно становилось в границах камерного жанра. Постепенно Монтеверди приходил к различению «мадригала жестов» и «мадригала нежестикулированного».

Но еще раньше драматургические поиски привели его на путь оперного театра, где он сразу же выступил во всеоружии «второй практики» с первыми мантуанскими операми «Орфей» (1607) и «Ариадна» (1608), принесшими ему громкую славу.

С его «Орфея» и начинается история подлинной оперы. Предназначенный для типичного придворного празднества, «Орфей» написан на либретто, явно связанное со сказочной пасторалью и роскошными декоративными интермедиями — этими типичными атрибутами придворной эстетики. Но музыка Монтеверди превращает гедонистическую сказочную пастораль в глубокую психологическую драму. Кажущаяся пастораль характеризуется столь экспрессивной, индивидуально-неповторимой музыкой, овеянной поэтической атмосферой скорбного мадригала, что она и по сей день воздействует на нас.

«…Ариадна трогала потому, что она была женщиной, Орфей — потому, что он простой человек… Ариадна возбуждала во мне истинное страдание, вместе с Орфеем я молил о жалости…» В этом высказывании Монтеверди заключена и сущность его собственного творчества, и главная суть переворота, произведенного им в искусстве. Мысль о способности музыки воплощать «богатство внутреннего мира человека» при жизни Монтеверди не только не была избитой истиной, но воспринималась как нечто неслыханно-новое, революционное. Впервые на протяжении тысячелетней эпохи земные человеческие переживания оказались в центре композиторского творчества подлинно классического уровня.

Музыка оперы сосредоточена на раскрытии внутреннего мира трагического героя. Его партия необычайно многогранна, в ней сливаются различные эмоционально-выразительные токи и жанровые линии. Он восторженно взывает к родным лесам и побережьям или оплакивает потерю своей Эвридики в безыскусных песнях народного склада.

В речитативных диалогах страстные реплики Орфея написаны в том взволнованном, по более позднему выражению Монтеверди, «смятенном» стиле, какой он сознательно противопоставлял однообразному речитативу флорентийской оперы. Образ героя, его вдохновенного искусства, счастливой любви и тяжкой утраты, его жертвенный подвиг и достижение цели, трагическая развязка и конечный олимпийский триумф певца — все это поэтически воплощено на фоне контрастно сменяющихся музыкально-сценических картин.

По всей опере щедрой рукою рассыпаны певучие мелодии, всегда созвучные облику действующих лиц и сценическим положениям. Композитор отнюдь не пренебрегает полифонией и время от времени сплетает свои напевы в изящную контрапунктическую ткань. Все же гомофонный склад господствует в «Орфее», партитура которого буквально сверкает смелыми и драгоценнейшими находками хроматических гармоний, красочных и в то же время глубоко оправданных образно-психологическим содержанием того или иного эпизода драмы.

Оркестр «Орфея» был по тем временам огромен и даже чрезмерно многолик по составу он отразил тот переходный период, когда еще много играли на старых инструментах, унаследованных от Возрождения и даже от средних веков, но когда уже появлялись новые инструменты, отвечавшие новому эмоциональному строю, складу, музыкальным темам и выразительным возможностям.

Инструментовка «Орфея» всегда эстетически созвучна мелодии, гармоническому колориту, сценической ситуации. Инструменты, который сопровождают монолог певца в подземном царстве, напоминают о его искуснейшей игре на лире. В пасторальные сцены флейты вплетают бесхитростные мелодии пастушьих наигрышей. Рев тромбонов сгущает атмосферу страха, окутывающую безрадостный и грозный Аид. Монтеверди — подлинный отец инструментовки, и в этом смысле «Орфей» — опера основополагающая. Что касается второго оперного произведения, написанного Монтеверди в Мантуе, «Ариадны» (либретто О. Ринуччини, речитативы Я. Пери), то оно не сохранилось. Исключение — всемирно знаменитая ария героини, которую композитор оставил в двух вариантах для пения соло с сопровождением и в более позднем — в виде пятиголосного мадригала. Ария эта — редкой красоты и по праву считается шедевром ранней итальянской оперы.

В 1608 году Монтеверди, давно тяготившийся своим положением при герцогском дворе, покинул Мантую. Он не склонился перед своими властолюбивыми покровителями и остался гордым, независимым художником, высоко несущим знамя человечного искусства. После недолгого пребывания у себя на родине в Кремоне, в Риме, Флоренции, Милане, Монтеверди в 1613 году принял приглашение в Венецию, где прокураторы Сан-Марко остановили свой выбор на нем как капельмейстере этого собора.

В Венеции Монтеверди предстояло выступить во главе новой оперной школы. Она во многом отличалась от своих предшественниц и далеко обогнала их. Это объяснялось иными местными условиями, иным исторически сложившимся соотношением общественных сил и идейных течений.

Венеция той эпохи — город с республиканским устройством, низложенной аристократией, с богатой, политически сильной, культурной буржуазией и дерзновенной оппозицией папскому престолу. Венецианцы в эпоху Возрождения создали свое искусство, более светское, жизнерадостное, реалистическое, чем где-либо еще на итальянской земле. Здесь в музыке с конца XVI века особенно широко и ярко проросли первые черты и предвестники барокко. Первый оперный театр Сан-Кассиано был открыт в Венеции в 1637 году.

Это не была «академия» для узкого круга просвещенных гуманистов-аристократов, как во Флоренции. Здесь папа и его двор не имели власти над искусством. Ее сменила власть денег. Венецианская буржуазия построила себе театр по собственному образу и подобию он стал коммерческим предприятием. Источником дохода стала касса. Вслед за Сан-Кассиано выросли в Венеции другие театры, всего более десяти. Появилась и неизбежная конкуренция между ними, борьба за публику, артистов, доходы. Вся эта коммерчески-предпринимательская сторона наложила отпечаток на оперно-театральное искусство. И в то же время, оно впервые стало зависимым от вкусов широкой публики. Это отразилось на его размахе, репертуаре, постановочной части, наконец, на стиле самой оперной музыки.

Творчество Монтеверди стало кульминационным моментом и могучим фактором прогресса итальянского оперного искусства. Правда, и Венеция не принесла ему полного освобождения от зависимости. Он приехал туда регентом, возглавившим вокально-инструментальную капеллу Сан-Марко. Он писал культовую музыку — мессы, вечерни, духовные концерты, мотеты, и церковь, религия неизбежно оказывали на него влияние. Выше уже говорилось, что, будучи по природе своей светским художником, он принял смерть в духовном сане.

В течение ряда лет, предшествовавших расцвету венецианского оперного театра, Монтеверди был вынужден и здесь обслуживать меценатов, правда, не таких властных и всесильных, как в Милане или Мантуе. Дворцы Мочениго и Гримани, Вендрамини и Фоскари были роскошно украшены не только картинами, статуями, гобеленами, но и музыкой. Капелла Сан-Марко нередко выступала здесь на балах и приемах во время, свободное от церковной службы. Наряду с диалогами Платона, канцонами Петрарки, сонетами Марине, любители искусства увлекались мадригалами Монтеверди. Он не оставил этого любимого им жанра в венецианский период и именно тогда достиг в нем наивысшего совершенства.

В Венеции написаны были шестая, седьмая и восьмая книги мадригалов — жанр, в котором Монтеверди экспериментировал перед тем, как созданы были его последние оперы. Но венецианские мадригалы имели и огромное самостоятельное значение. В 1838 году появился интереснейший сборник «Мадригалы воинственные и любовные». В нем сказалась глубокая психологическая наблюдательность художника; музыкально-поэтическая драматизация мадригала доведена там до последнего возможного тогда предела. В этот сборник вошли и некоторые более ранние произведения «Неблагодарные женщины» — интермедия мантуанского периода и знаменитое «Единоборство Танкреда и Клоринды» — великолепная драматическая сцена, написанная в 1624 году на сюжет из «Освобожденного Иерусалима» Тассо, предназначенная для исполнения с театральными костюмами и бутафорией.

В течение тридцати лет, прожитых в Венеции, Монтеверди создал большинство своих музыкально-драматических произведений для театрального или камерно-сценического представления.

Что касается собственно опер, то их у Монтеверди всего восемь «Орфей», «Ариадна», «Андромеда» (для Мантуи), «Мнимо безумная Ликори» — одна из первых комических опер в Италии, «Похищение Прозерпины», «Свадьба Энея и Лавинии», «Возвращение Улисса на родину» и «Коронование Поппеи». Из венецианских опер лишь две последние сохранились.

Самым значительным произведением Монтеверди венецианского периода стала опера «Коронование Поппеи» (1642), законченная незадолго до того, как он умер в зените своей славы «оракула музыки», 29 ноября 1643 года. Эта опера, созданная композитором, когда ему было семьдесят пять лет, не только венчает его собственный творческий путь, но безмерно возвышается над всем, что было создано в оперном жанре до Глюка. Породившие ее смелость и вдохновенность мысли неожиданны в таком преклонном возрасте. Разрыв между «Коронацией Поппеи» и всем предшествующим творчеством Монтеверди разителен и необъясним. Это в меньшей мере относится к самой музыке истоки музыкального языка «Поппеи» можно проследить в исканиях всего предыдущего, более чем полувекового, периода. Но общий художественный облик оперы, необычный как для творчества самого Монтеверди, так и для музыкального театра XVII века вообще, в решающей степени предопределен оригинальностью сюжетно-драматургического замысла. По полноте воплощения жизненной правды, широте и многогранности показа сложных человеческих взаимоотношений, подлинности психологических конфликтов, остроте постановки нравственных проблем ни одно из дошедших до нас других произведений композитора не может сравниться с «Коронацией Поппеи».

Композитор и его талантливый либреттист Франческо Бузенелло обратились к сюжету из древнеримской истории, воспользовавшись хрониками античного писателя Тацита император Нерон, влюбленный в куртизанку Поппею Сабину, возводит ее на престол, изгнав прежнюю императрицу Октавию и предав смерти противника этой затеи, своего наставника философа Сенеку.

Картина эта написана широко, многогранно, динамично. На сцене — императорский двор, его вельможи, мудрец-советник, пажи, куртизанки, слуги, преторианцы. Музыкальные характеристики действующих лиц, противопоставленные друг другу, психологически точны и метки. В быстром и многоликом действии, в пестрых и неожиданных сочетаниях воплощены различные планы и полюсы жизни трагические монологи — и едва ли не банальные сценки с натуры; разгул страстей — и философские созерцания; аристократическая утонченность — и безыскусственность народного быта и нравов.

Монтеверди никогда не был в центре моды, никогда не пользовался такой же широкой популярностью, как та, что выпадала на долю некоторых более «умеренных» сочинителей мадригалов, а позднее — композиторов «легких» канцонетт и арий. Он был настолько независим от взглядов и вкусов современников, настолько шире их по своей художественной психологии, что в одинаковой мере принимал и старинное, полифоническое и новое, монодическое письмо.

Сегодня бесспорно, что именно Монтеверди — «основоположник современной музыки». Именно в творчестве Монтеверди сложился тот строй художественного мышления, который характерен для нашей эпохи.

Краткая биография чайковского, творчесвто композитора петра ильича для детей

О композиторах-современниках

Пекарский Марк (р. 1940). Прославился своим ансамблем ударных инструментов. Атмосфера на его концертах располагает к смеху, так как композитор в процессе исполнения музыки (и в перерывах) может удачно шутить.

Мартынов Владимир (р. 1946) – композитор-минималист. В нем сочетается религиозность и “продвинутость”. Современный мэтр серьезной музыки способен многое передать минимальными средствами.

Екимовский Виктор (р. 1947)

Обращают на себя внимание его программные сочинения с яркими названиями. Это “В созвездии Гончих псов” (музыка написана для флейт и фонограммы), “Сиамский концерт” (предназначенный для двух фортепиано), “Сублимации” (для симфонического оркестра), “27 разрушений” (для ударных инструментов) и многие другие

Сергеева Татьяна (р. 1951). В ее произведениях чувствуется влияние музыки А.Скрябина. Много полета, колебаний, огня

Второй фортепианный концерт привлекает к себе внимание слушателей своим динамичным развитием и внезапным финалом, который переносит слушателя в средневековье, а затем возвращает его обратно

Павлова Алла (р. 1952) – композитор-эмигрант. В настоящий период времени проживает в Америке. Ее музыка мелодичная и одновременно грустная и печальная. Она написала шесть симфоний в минорных тональностях, которые являются целыми трагедиями.

Как видим, музыка современных композиторов разнообразна, удивительна и привлекательна. Многие из создателей любят эксперименты, ищут новые формы. К таковым относится Бакши Александр (р. 1952). Среди его сочинений особо выделяется “Безответный звонок”, написанный для скрипки, 6-7 мобильных телефонов и струнного оркестра.

Маркелов Павел (р. 1967). Одно из его излюбленных направлений – это духовная музыка. Он написал симфонии для оркестра, сонаты-верлибры для рояля, 20 колокольных симфоний.

Михаил Глинка

Михаил Иванович Глинка появился на свет 20 мая 1804 года. Семья его была большой и обеспеченной, проживала на территории Смоленской губернии с тех самых пор, как польский дворянин, что положил начало роду, предпочел своей стране Россию. Родители будущего композиторы приходились друг другу троюродными братом и сестрой. Быть может, именно поэтому воспитание малыша взяла на себя бабушка. Продолжалось так вплоть до ее смерти. Тяга к музыке у юного дарования проснулась в десятилетнем возрасте. Вскорости он был отправлен на учебу в Петербург. Там он познакомился с Пушкиным, Грибоедовым, Жуковским, Одоевским и другими известными личностями тех времен. И понял, что желает сделать музыку своей судьбой.

После этого Михаил Глинка написал первые романсы, но результатом до конца не был доволен. Собственная музыка казалась ему бытовой, он стремился расширить грани. И тогда, работая над собой, Михаил Иванович Глинка отправился в Италию, а потом в Германию. Там он узнал таких людей, как Доницети и Беллини, вследствие чего полностью поменял стиль своей музыки.

По приезде в Россию композитор вновь явил стране свои оперы. Но некоторые из них были сильно раскритикованы, и Глинка решил уехать из страны. А вернулся спустя много лет, став преподавателем пения и активно влияя на формирование классической музыки.

Скончался Михаил Иванович 15 февраля 1857 года в Берлине. Его прах был привезен в Санкт-Петербург, где композитор покоится по сей день.

Сергей Васильевич Рахманинов

Сергея Васильевича Рахманинова называли самым русским композитором. Но он был не только композитором, а еще талантливым пианистом и дирижером.

Рахманинов родился в Новгородской губернии, с четырех лет начал заниматься музыкой под руководством матери. Учился в Санкт-Петербургской консерватории, после 3-х лет обучения перевелся в Московскую консерваторию и окончил ее с большой золотой медалью.

Слава пришла к нему быстро, но не обошлось и без творческих кризисов. Провал «Первой симфонии» помог переосмыслить творчество и Рахманинов смог писать музыку, объединившим русскую церковную песенность, уходящий европейский романтизм, современные импрессионизм и неоклассцизм. В этот творческий период рождаются лучшие его произведения, среди которых 2 и 3 фортепианные концерты, Вторая симфония и его самое любимое произведение — поэма «Колокола» для хора, солистов и оркестра.

«Самое высокое качество всякого искусства — это его искренность», — считал Сергей Васильевич Рахманинов.

Сергей Рахманинов

Потомственный дворянин стал настоящим символом русской музыки во всем мире. С. Рахманинов родился в музыкальной семье: его дед учился у Джона Фильда — известного в России композитора и педагога, отец увлекался музыкой, но не играл профессионально. Первой учительницей музыки для Сергей Рахманинова стала его мать, дочь директора Аракчеевского кадетского корпуса Петра Бутакова.

Юноша обучался в Петербургской консерватории в классе В. Демянского, в Москве у Николая Зверева, известного педагога, и в классе А. Зилоти – своего двоюродного брата, который стал известным московским пианистом. За дипломную работу (опера «Алеко») Сергей Рахманинов получил Большую золотую медаль и оценку «пять с тремя плюсами» от Петра Чайковского. Чайковский рекомендовал оперу к постановке в Большом театре.

Молодого Рахманинова московская публика знала как талантливого дирижера, пианиста и композитора. Он ездил с концертами в Канаду и Америку, Европу, занимал должность дирижера в Большом театре, возглавил художественный совет музыкального издательства.

После революции в России Рахманинов эмигрировал. Он был нетерпим к власти Советом, но не остался равнодушен к соотечественникам, так что перечислял деньги, собранные на концертах, в фонд обороны СССР и фонд Красной армии. На эти средства в СССР построили военный самолет. Композитор умер в 1943 году. Он был настолько предан своему призванию, что до последнего продолжал выступать. Последний концерт Рахманинов дал за полтора месяца до кончины.

Детские современные композиторы

Яркими представителями являются Юрий Савалов, Владимир Коровицын, Юрий Савельев.

Юрий Савалов был талантливым композитором, прекрасным педагогом и замечательным аранжировщиком. Увлеченно руководил оркестром в ДМШ. Он был и хорошим исполнителем. Играл на клавишных и духовых инструментах. Каждая из девяти его пьес для фортепиано имеет подзаголовок: “Мама”, “Признание”, “Ветер странствий”, “Вдохновение”, “Бал в замке принца”, “Прелюдия”, “Марш”, “Вальс”, “Колыбельная”. Все они очень интересные, разнохарактерные и красивые.

Владимир Коровицын родился в 1955 году. Его творчество составляет музыка, написанная в разных жанрах: песни, романсы, духовные произведения, написанные для хора, камерного и симфонического оркестра. Для детей он написал сборник детских песен под названием “Радуйся солнцу” и “Детский альбом” для фортепиано. Пьесы являются прекрасным пополнением репертуара учеников. Названия пьес точно отображают их характер и настроение: “Дюймовочка”, “Деревянные башмаки”, “Вариации мужичок с гармошкой”, “Емеля на печке едет”, “Грустная принцесса”, “Девичий хоровод”.

Популярные темы сообщений

• История создания тепловых двигателей

  Тепловой двигатель изобрел Российский изобретатель Ползунов И.И. в 1765, первая машина была очень огромная и достигала 11 метров в высоту. В зарубежных источниках можно найти информацию что первый тепловой двигатель изобрёл

• Город Псков

  Город Псков является одним из древнейших городов России. Так, «Повесть временных лет» упоминает о княгине Ольге, жизнь которой тесно связана с рассказами о городе. Более того, по легенде,

• Вегетативное размножение растений

  С наступлением определенного периода в жизни каждого растения наступает период, когда оно может размножаться. Для них присущ вегетативный способ размножения. Этим способом размножаются растения в дикой природе,

Сергей Васильевич РАХМАНИНОВ (1873 – 1943)

Сергей Васильевич Рахманинов – крупнейший мировой композитор начала 20-го века, талантливый пианист и дирижер. Творческий образ Рахманинова-композитора часто определяют эпитетом “самый русский композитор”, подчеркивая в этой краткой формулировке его заслуги в объединении музыкальных традиций Московской и Петербургской композиторских школ и в создании собственного уникального стиля, особняком выделяющегося в мировой музыкальной культуре.

Родился в Новгородской губернии, с четырёх лет начал заниматься музыкой под руководством матери. Учился в Санкт-Петербургской консерватории, после 3-х лет обучения перевёлся в Московскую консерваторию и закончил её с большой золотой медалью. Быстро стал известен как дирижёр и пианист, сочинял музыку. Провальная премьера новаторской Первой симфонии (1897) в Петербурге вызвала творческий композиторский кризис, из которого Рахманинов вышел в начале 1900-х со сформировавшимся стилем, объединившим русскую церковную песенность, уходящий европейский романтизм, современные импрессионизм и неоклассцизм, – и всё это насыщено сложной символикой. В этот творческий период рождаются лучшие его произведения, среди которых 2 и 3 фортепианные концерты, Вторая симфония и его самое любимое произведение – поэма “Колокола” для хора, солистов и оркестра.

В 1917 году Рахманинов с семьёй был вынужден покинуть нашу страну и осесть в США. Почти десять лет после отъезда ничего не сочинял, но много гастролировал в Америке и Европе и был признан одним из величайших пианистов эпохи и крупнейшим дирижером. За всей бурной деятельностью, Рахманинов оставался ранимым и неуверенным человеком, стремящимся к уединению и даже одиночеству, избегающим назойливого внимания публики. Искренне любил и тосковал по родине, думая не совершил ли он ошибку, покинув её. Он постоянно интересовался всеми событиями происходящими в России, читал книги, газеты и журналы, помогал материально

Его последнии сочинения – Симфония № 3 (1937) и “Симфонические танцы” (1940) стали итогом творческого пути, вобрав в себя все лучшее его уникального стиля и скорбное чувство невосполнимой утраты и тоски по родине.

Цитата С.В.Рахманинова:

“Чувствую себя призраком, который одиноко бродит в чужом ему мире.” 

“Самое высокое качество всякого искусства – это его искренность.” 

“Большие композиторы всегда и прежде всего обращали внимание на мелодию, как на ведущее начало в музыке. Мелодия – это музыка, главная основа всей музыки..

Мелодическая изобретательность, в высшем смысле этого слова, – главная жизненная цель композитора…. По этой причине великие композиторы прошлого проявляли столько интереса к народным мелодиям своих стран.”

Цитата о С.В.Рахманинове: 

“Рахманинов был создан из стали и золота: Сталь в его руках, золото – в сердце. Не могу без слёз думать о нём. Я не только преклонялся перед великим артистом, Но любил в нём человека.” И.Гофман”Музыка Рахманинова – это Океан. Его волны – музыкальные – начинаются настолько далеко за горизонтом, и возносят Вас так высоко и так медленно Вас опускают… что Вы чувствуете эту Мощь и Дыхание.” А.Кончаловский

Интересный факт: во время Великой Отечественной войны Рахманинов дал несколько благотворительных концертов, денежный сбор от которых направил в фонд Красной армии для борьбы с немецко-фашистскими оккупантами.

Творчество Петра Ильича Чайковского

Пётр Ильич Чайковский работал во всех известных музыкальных жанрах своего времени, но отдавал предпочтение масштабным: операм и симфониям. Его занимали глубокий внутренний мир человека, его душа и переживание драмы. Музыка Чайковского при этом очень тонкая, лирическая и певучая. Его произведения вызывают сильный эмоциональный отклик слушателя. Даже малые музыкальные жанры при этом Чайковский сопровождал симфонической масштабностью. Одной из главных тем творчества Петра Ильича Чайковского стали сострадание и любовь к людям.

Чайковский работал и в области хоровой духовной музыки. Продолжателями его музыкальных традиций считали С. Танеева, А. Глазунова, С. Рахманинова, А. Скрябина. Музыка Чайковского стала символом русской жизни и культуры XIX в. Благодаря наследию Чайковского мы смогли заново открыть для себя образы русской и мировой литературы — Пушкина и Гоголя, Шекспира и Данте, русской лирической поэзии второй половины XIX в. Чайковский заслуженно при жизни получил мировую известность и до сих пор считается одним из лучших отечественных композиторов.

• За мелодией Чайковского я услышала: «Помилуй меня». И жизнь будто перевернулась
• Сэр Джон Тавенер — православный британский композитор

Модест Мусоргский. Биография

Модест Мусоргский родился в 1839 году Псковской губернии. Отец его принадлежал к древнему княжескому роду, которой происходил от самого Рюрика, мать также была дворянкой. Своего сына она учила музыке и игре на фортепиано, а сам Модест в детстве любила слушать русские народные сказки, которые ему рассказывала няня.

В самом юном возрасте он играл сложные произведения Ференца Листа и выступал на домашних концертах. Заметив явный талант, его начали учить у профессиональной пианистки. Отец Модеста хотел, чтобы его дети получали образование в Петербурге, так  Мусоргский оказался учеником старейшей Петербургской школы, где он учил иностранные языки, но не оставил и музыку.

Он был желанным гостем на концертах Петербургского дворянства. После школы ему предстояло стать кадровым военным, учился он старательно. В то же время Мусоргский сочинил первое собственное музыкальное произведение — пьесу для фортепиано. Эту работу он посвятил своим товарищам по юнкерской школе, их дружбе.

Юность и творчество

Модест Мусоргский думал о том, как совместить военную службу со своим увлечением музыкой. Онслужил в Преображенском полку, где организовал кружок любителей музыки. Члены кружка вместе посещали театры слушали оперу и обсуждали услышанное. Он был знаком с А. Доргомыжским и Н. Римским-Корсаковым.

Музыка была его приоритетом. Тогда де появилось содружество, которое получило название «Могучая кучка». В 1858 году Мусоргский стал работать над оперой «Эдип в Афинах». Эта работа так и осталась незаконченной. В поисках своего стиля Мусоргский решался на музыкальные эксперименты. Его первые произведения не знали успеха, но он не обижался на критику. В 1861 году Мусоргский создал инструментальное произведение «Интермеццо». Его оценили высоко. Эту композицию Мусоргский написал под впечатлением от наблюдения за крестьянами и их жизнью, работой, бытом.

Изображение: belcanto.ru

Первая опера, над которой работал Мусоргский «Саламбо» осталась незавершенной, однако, свои наработки композитор использовал для создания оперы «Борис Годунов». Однако её части композитор использовал оперы Борис Годунов. Когда этот масштабный труд был наконец окончен, его передали дирекции Императорских театров. Однако поставить её удалось лишь в 1874 году. Несмотря на неоднозначную реакцию прессы, опера былоа известна и любима народом. Члены «Могучей кучки» приняли ее не слишком тепло, но Мусоргский не сдавался и не оставил творчество.

В 1874 году он окончил цикл фортепианных пьес, в который входили знаменитый «Балет невылупившихся птенцов» и «Избушка на курьих ножках». Часть из них была написала под влиянием творчества Листа.
Мусоргский приступил к созданию «Хованщины», он тщательно изучал исторические документы, серьезно отнесся к своему труду, но его здоровье ухудшалось, а отношения с членами «Могучей кучки» портились, начались трудности с деньгами, работа шла медленно.

Последние годы

В 1880 году Мусоргский был уволен с официального места работы Ревизионной комиссии Государственного контроля. С тех пор он жил на подарки друзей, которые собирали ему ежемесячно небольшую сумму и давал частные уроки. В 1881 году его выселили из квартиры за неуплату, здоровье его становилось все хуже.

Мусоргского поместили в Николаевский военный госпиталь, где он снова стал работать над операми «Хованщина» и «Сорочинская ярмарка». Закончить работу композитору не удалось. 28 марта 1801 года Мусоргский скончался и был похоронен на Тихвинском кладбище. Там великий композитор, недооцененный при жизни, покоится и сейчас.

Произведения Мусоргского

оперы:

• Саламбо (1863-1866, не окончена)
• Женитьба (1-е д., 1868)
• Борис Годунов (1869; 2-я ред. 1872)
• Хованщина (1872-80)
• Сорочинская ярмарка (1874-80)

для оркестра:

• скерцо B-dur (1858)
• интермеццо (1867)
• Ночь на Лысой горе (1867)
• марш Взятие Карса (1880)

для фортепиано:

Картинки с выставки (1874)

для хора и оркестра:

• хор из трагедии Софокла «Царь Эдип» (1860)
• Поражение Сеннахериба (1867)

для хора, солистов и фортепиано:

Иисус Навин (1877)

для голоса с фортепиано

сборник Юные годы (1857-1865)

циклы

• Детская (1868-72)
• Без солнца (1874)
• Песни и пляски смерти (1875-77)

песни и романсы

• на сл. Н. А. Некрасова (Калистрат, Колыбельная Ерёмушке)
• Т. Г. Шевченко (Гопак, На Днепре)
• А. В. Кольцова (По над Доном сад цветёт, Пирушка)
• А. К. Толстого (Рассевается, расступается, Спесь)
• Голенищева-Кутузова (баллада Забытый)
• А. Н. Плещеева (Листья шумели уныло)

• Как полюбить классическую музыку и как не пропустить жизнь сквозь пальцы
• Мишель Петруччиани. Музыка вопреки

10. Дмитрий Дмитриевич ШОСТАКОВИЧ (1906 – 1975)

Дмитрий Дмитриевич Шостакович – один из самых значимых и исполняемых композиторов в мире, его влияние на современную классическую музыку неизмеримо. Его творения – это истинные выражения внутренней человеческой драмы и летописи тяжёлых событий 20-го века, где глубоко личное переплетается с трагедией человека и человечества, c судьбой родной страны.

Родился в Санкт-Петербурге, первые музыкальные уроки получил от матери, закончил Петербургскую консерваторию, при поступлении в которую её ректор Александр Глазунов сравнил его с Моцартом – так поразил он всех своей прекрасной музыкальной памятью, тонким слухом и композиторским даром. Уже в начале 20-х, к окончанию консерватории, Шостакович имел багаж собственных произведений и встал в число лучших композиторов страны. Мировая слава пришла к Шостаковичу после победы в 1-м Международном конкурсе Шопена в 1927 году. 

До определённого периода, а именно до постановки оперы “Леди Макбет Мценского уезда”, Шостакович творил как свободный художник – “авангардист”, экспериментируя со стилями и жанрами. Жесткий разнос этой оперы, устроенный в 1936 году, и репрессии 1937 года положили начало последующей постоянной внутренней борьбы Шостаковича за стремление выразить свои взгляды своими средствами в условиях навязывания государством направлений в искусстве. В его жизни политика и творчество очень тесно переплетены, он был хвалим властью и ею же гоним, занимал высокие должности и снимался с них, награждался и был на грани ареста сам и его близкие. 

Мягкий, интеллигентный, деликатный человек он нашел свою форму выражения творческих принципов в симфониях, где мог максимально открыто говорить правду о времени. Из всего обширного творчества Шостаковича во всех жанрах именно симфонии (15 работ) занимают центральное место, самыми драматически насышенными являются 5,7,8,10,15 симфонии, ставшие вершиной советской симфонической музыки. Совсем другой Шостакович открывается в камерной музыке.

Несмотря на то, что сам Шостакович был “домашним” композитором и практически не выезжал за рубеж, его гуманистическая по сути и истинно художественная по форме музыка быстро и широко распространялась в мире, исполнялась лучшими дирижерами. Величина таланта Шостаковича столь необъятна, что полное постижение этого уникального явления мирового искусства ещё впереди.

Цитата Д.Д.Шостаковича: “Настоящая музыка способна выражать только гуманные чувства, только передовые гуманные идеи.”

Сергей Прокофьев

Симфоническая сказка «Петя и волк», меланхоличная симфония № 7 и балет «Ромео и Джульетта» Сергея Прокофьева входят в списки мировых шедевров. Будущий советский композитор впервые сел за фортепиано в пять лет. Его воспитанием занималась мать, которая неплохо умела играть на пианино, так что и ребенка стала приучать к инструменту. Именно она записала детские работы Сергея Прокофьева. К десяти годам получился внушительный список авторских композиций, в том числе две оперы.

В подростковом возрасте талантливый юноша отправился в Санкт-Петербург и поступил в консерваторию, которую закончил как пианист, композитор и органист. После революции он уехал в Японию, чтобы оттуда добиваться разрешения переехать в Соединенные Штаты. В Америке и Европе он начал гастролировать, исполняя собственные произведения. Везде Сергей Прокофьев имел большой успех.

С 1936 года композитор проживал в Москве вместе с женой, дочерью русских эмигрантов, с которой познакомился на гастролях в Испании, и двумя детьми. После начала войны Сергей Прокофьев отправил родных в эвакуацию, а сам жил отдельно. С супругой он больше не съезжался, потому что познакомился с юной Мирой Мендельсон (девушка была моложе Прокофьева на 24 года).

Здоровье композитора к 40-м годам уже сильно ослабело. Он практически не выходил за пределы подмосковной дачи, где соблюдал строгий режим, но продолжал работу. Сергей Прокофьев одновременно писал симфонию, балет и сонату. Зиму известный композитор СССР проводил в коммунальной квартире в столице. Именно там он скончался в результате очередного криза 5 марта 1953 года.

100 великих композиторов мира

Список композиторов в хронологическом порядке

1. Жоскен Депре (1450 –1521)2. Джованни Пьерлуиджи да Палестрина (1525 –1594)3. Клаудио Монтеверди (1567 –1643)4. Генрих Шютц (1585 –1672)5. Жан Батист Люлли (1632 –1687)6. Генри Пёрселл (1658 –1695)7. Арканджело Корелли (1653 –1713)8. Антонио Вивальди (1678 –1741)9. Жан Филипп Рамо (1683 –1764)10. Георг Гендель (1685 –1759)11. Доменико Скарлатти (1685 –1757)12. Иоганн Себастьян Бах (1685 –1750)13. Кристоф Виллибальд Глюк (1713 –1787)14. Йозеф Гайдн (1732 –1809)15. Антонио Сальери (1750 –1825)16. Дмитрий Степанович Бортнянский (1751 –1825)17. Вольфганг Амадей Моцарт (1756 –1791)18. Людвиг Ван Бетховен (1770 –1826)19. Иоганн Непомук Гуммель (1778 –1837)20. Николло Паганини (1782 –1840)21. Джакомо Мейербер (1791 –1864)22. Карл Мария фон Вебер (1786 –1826)23. Джоаккино Россини (1792 –1868)24. Франц Шуберт (1797 –1828)25. Гаэтано Доницетти (1797 –1848)26. Винченцо Беллини (1801 –1835)27. Гектор Берлиоз (1803 –1869)28. Михаил Иванович Глинка (1804 –1857)29. Феликс Мендельсон-Бартольди (1809 –1847)30. Фридерик Шопен (1810 –1849)31. Роберт Шуман (1810 –1856)32. Александр Сергеевич Даргомыжский (1813 –1869)33. Ференц Лист (1811 –1886)34. Рихард Вагнер (1813 –1883)35. Джузеппе Верди (1813 –1901)36. Шарль Гуно (1818 –1893)37. Станислав Монюшко (1819 –1872)38. Жак Оффенбах (1819 –1880)39. Александр Николаевич Серов (1820 –1871)40. Сезар Франк (1822 –1890)41. Бедржих Сметана (1824 –1884)42. Антон Брукнер (1824 –1896)43. Иоганн Штраус (1825 –1899)44. Антон Григорьевич Рубинштейн (1829 –1894)45. Иоганнес Брамс (1833 –1897)46. Александр Порфирьевич Бородин (1833 –1887)47. Камиль Сен-Санс (1835 –1921)48. Лео Делиб (1836 –1891)49. Милий Алексеевич Балакирев (1837 –1910)50. Жорж Бизе (1838 –1875)51. Модест Петрович Мусоргский (1839 –1881)52. Петр Ильич Чайковский (1840 –1893)53. Антонин Дворжак (1841 –1904)54. Жюль Массне (1842 –1912)55. Эдвард Григ (1843 –1907)56. Николай Андреевич Римский-Корсаков (1844 –1908)57. Габриель Форе (1845 –1924)58. Леош Яначек (1854 –1928)59. Анатолий Константинович Лядов (1855 –1914)60. Сергей Иванович Танееев (1856 –1915)61. Руджеро Леонкавалло (1857 –1919)62. Джакомо Пуччини (1858 –1924)63. Гуго Вольф (1860 –1903)64. Густав Малер (1860 –1911)65. Клод Дебюсси (1862 –1918)66. Рихард Штраус (1864 –1949)67. Александр Тихонович Гречанинов (1864 –1956)68. Александр Константинович Глазунов (1865 –1936)69. Ян Сибелиус (1865 –1957)70. Франц Легар (1870 –1945)71. Александр Николаевич Скрябин (1872 –1915)72. Сергей Васильевич Рахманинов (1873 –1943)73. Арнольд Шёнберг (1874 –1951)74. Морис Равель (1875 –1937)75. Николай Карлович Метнер (1880 –1951)76. Бела Барток (1881 –1945)77. Николай Яковлевич Мясковский (1881 –1950)78. Игорь Федорович Стравинский (1882 –1971)79. Антон Веберн (1883 –1945)80. Имре Кальман (1882 –1953)81. Альбан Берг (1885 –1935)82. Сергей Сергеевич Прокофьев (1891 –1953)83. Артур Онеггер (1892 –1955)84. Дариюс Мийо (1892 –1974)85. Карл Орф (1895 –1982)86. Пауль Хиндемит (1895 –1963)87. Джордж Гершвин (1898 –1937)88. Исаак Осипович Дунаевский (1900 –1955)89. Арам Ильич Хачатурян (1903 –1978)90. Дмитрий Дмитриевич Шостакович (1906 –1975)91. Тихон Николаевич Хренников ( род. в 1913 году)92. Бенджамин Бриттен (1913 –1976)93. Георгий Васильевич Свиридов (1915 –1998)94. Леонард Бернстайн (1918 –1990)95. Родион Константинович Щедрин ( род. в 1932 году)96. Кшиштоф Пендерецкий ( род. в 1933 году)97. Альфред Гариевич Шнитке (1934 –1998)98. Боб Дилан ( род. в 1941 году)99. Джон Леннон (1940–1980) и Пол Маккартни (род. в 1942 году)100. Стинг ( род. в 1951 году)

ШЕДЕВРЫ КЛАССИЧЕСКОЙ МУЗЫКИЛучшие произведения классической музыки всех времен

(0 голосов, среднее: 0 из 5)

Виттлин, Юзеф — это… Что такое Виттлин, Юзеф?

Юзеф Виттлин (польск. Józef Wittlin, 17 августа 1896, с. Дмитров близ Радехова, Галиция, тогда Австро-Венгрия – 28 февраля 1976, Нью-Йорк) – польский поэт, прозаик, эссеист, переводчик.

Биография

Из еврейской семьи. Вместе с родителями переехал во Львов, где в 1906-1914 учился в классической гимназии. Дебютировал в 1912 в гимназической газете стихами, посвященными 100-летию Зыгмунта Красинского. В 1915 перебрался в Вену, где начал учебу на философском факультете университета. Вошел в литературные круги, познакомился с Карлом Краусом, Рильке, Йозефом Ротом. В 1916 вступил в австрийскую армию, но из-за слабого здоровья не участвовал в боевых действиях, в основном служил переводчиком. Работал над переводом Одиссеи, начатым еще в гимназии.

После войны в 1918 вернулся во Львов. Преподавал в частных гимназиях. В 1920-1922 был близок к журналу польских экспрессионистов Zdrój. В 1922 переехал в Лодзь, заведовал литературной частью в городском театре, вел театральную хронику в прессе. В 1925-1926 как государственный стипендиат путешествовал по Италии, собирал материал для книги о Святом Франциске. В 1927 приехал в Варшаву, сблизился с кругом журнала Скамандр. В 1929-1932 жил во Франции, собирал материал для пацифистского романа о Первой мировой войне Соль земли. Начало Второй мировой войны также застало его во Франции. В 1940 при поддержке немецкого писателя Германа Кестена вместе с семьей выехал в Португалию, а в 1941 – в США.

В Нью-Йорке занимался журналистикой. После войны его произведения несколько лет публиковались в Польше, но в 1952 он начал работать на радио Свободная Европа, а в 1956 опубликовал запрет на публикации на родине. В 1976 подписал Письмо 59-ти, в котором польские интеллектуалы протестовали против изменений в Конституции страны, усиливавших идеологический контроль над обществом и культурой.

Творчество

Из прозаических сочинений Виттлина наиболее известен роман Соль земли, получивший в Польше несколько наград, переведенный на многие языки и номинировавшийся на Нобелевскую премию.

Среди переводов Виттлина – Эпос о Гильгамеше, гомеровская Одиссея (премия польского ПЕН-Клуба), романы Йозефа Рота, Степной волк Гессе, стихотворения Мигеля Эрнандеса, Франсиско Бринеса, Сальваторе Квазимодо, Уильяма Карлоса Уильямса, У.Х.Одена.

Книги

• Гимны/ Hymny, стихотворения (1920)
• Война, мир и душа поэта/ Wojna, pokój i dusza poety, эссе (1925)
• Из воспоминаний бывшего пацифиста/ Ze wspomnień byłego pacyfisty (1929)
• Этапы/ Etapy, путевые заметки (1933)
• Соль земли/ Sól ziemi, первый роман задуманной трилогии «История многострадального пехотинца» (1935)
• Мой Львов/ Mój Lwów, воспоминания (1946, [1])
• Орфей в преисподней ХХ века/ Orfeusz w piekle XX wieku, эссе (1963)
• Стихи/ Poezje (1978, посмертно)
• Pisma pośmiertne i inne eseje (1991)

Публикации на русском языке

• Повесть о многострадальном пехотинце. Часть 1. Соль земли/ Перевод с польского Е. Троповского. Ленинград: Государственное издательство «Художественная литература», 1937

Признание и наследие

В 1994 о писателе снят документальный фильм Орфей в преисподней ХХ века (см.: [2]).

Литература

• Yurieff Z. Józef Wittlin. Warszawa: Świat Literacki; Constans, 1997
• Between Lvov, New York and Ulysses’ Ithaca: Józef Wittlin: poet, essayist, novelist/ Ed. by Anna Frajlich. Toruń: Wydawn. Uniw. Mikołaja Kopernika, 2001

Ссылки

Клаудио Монтеверди Биография

Клаудио Монтеверди — Композитор Биография, факты и музыкальные композиции

Клаудио Монтеверди был итальянским композитором и католическим священником.Ему часто приписывают преодоление разрыва между музыкой эпохи Возрождения и музыкой периода барокко.

Клаудио Джованни Антонио Монтеверди родился в дату, неизвестную историкам, хотя известно, что он крестился 15 мая 1567 года в итальянском округе Ломбардия. В детстве он время от времени навещал Марка Антонио Ингегнери, который был maestro di cappella в соборе родного города Монтеверди, «Соборе Кремоны». Ингегнери дал Монтеверди первые уроки музыки и композиции; он также призвал Монтеверди принять участие в хоре собора.

В 1582 году Монтеверди опубликовал свою первую работу — сборник мотетов под названием « Sacrae cantiunculae». За этим последовал священный мадригал под названием Madrigali Spirituali в 1584 году, сборник из трех голосовых канцонет в 1584 году и пятичастный мадригал в 1587 году. После игры на скрипке он стал музыкальным руководителем двора Мантуи. для них. К 1602 году он был придворным дирижером при дворе Винченцо I Гонзага в Мантуе. В 1613 году он переехал в Св.Marks Basilica и работал там дирижером, ему приписали «спасение» тамошней музыки, поскольку до приезда Монтеверди музыка была полностью лишена творчества. К 1632 году Монтеверди стал священником Римско-католической церкви.

Ранние произведения Монтеверди состояли из его мадригальных книг. Всего Монтеверди написал девять книг Мадригал. Из этих девяти пятая книга Мадригал, « Quinto Libro» , была известна тем, что иллюстрирует эволюцию музыки позднего Возрождения к музыке раннего барокко.Восьмая книга мадригалов Монтеверди, которую он закончил в 1638 году, была его самой большой. Известно также, что восьмая книга мадригалов содержит произведения, написанные за тридцатилетний период. Интересно, что Монтеверди решил разделить свою книгу на разделы «Война и любовь».

Монтеверди написал множество опер, около восемнадцати, однако он известен, в частности, двумя. Один из них назывался « Il ritorno d’Ulisse in patria» (в переводе «Возвращение Улисса на родину»). Il Ritorno был посвящен истории царя Итаки, и он был основан на победе терпения над предательством и, следовательно, окончательной победе добра над злом. Опера имела такой успех, что ее исполняли более десяти раз на Венецианском карнавале 1639–1640 годов. Другая опера называлась « L’incoronazione di Poppea» (переводится как «Коронация Поппеи»), и она была основана на римском императоре Нероне. Эта опера была настолько грандиозной, что когда ее исполняли на Венецианском карнавале в 1642–1643 годах, она проходила в помещении, вмещавшем 900 человек, но сцена была больше, чем зрительный зал.

Самая известная церковная музыка Монтеверди — это собрание партитур под названием « псалмов Венеры» 1610 года. Он также написал благодарственную мессу в 1631 году. Клаудио Монтеверди скончался 29 ноября 1643 года в Венеции. Его музыка вызвала недавний интерес в 1960-х годах, и с тех пор многие из его работ были заново открыты и исполнены.

Клаудио Монтеверди | Биография — Классическая музыка

Клаудио Монтеверди родился в 1567 году в Кремоне.

Этот небольшой городок на севере Италии оказался для композитора на удивление выгодным.Во-первых, это был дом уважаемого церковного музыканта с хорошими связями Марка Антонио Ингегнери, у которого Монтеверди научился писать правильный контрапункт в старом стиле ( stile antico ), создавая свои композиции на основе произведений других композиторов. Его ранний мотет Quam pulchra es , например, смоделирован на основе того же текста композитора Костанцо Феста, а его самые ранние мадригалы заимствованы из произведений Маренцио от самого Ингегнери. , и несколько других.

Еще одним преимуществом для Монтеверди было то, что в Кремоне проживала семья Амати , известная своим производством струнных инструментов. Обычно мы думаем о Монтеверди как о вокальном композиторе, но именно среди его произведений мы находим первый большой расцвет инструментальной ансамблевой музыки с преобладанием скрипок — как в интермедиях и ритурнелях, окружающих арии и припевы его оперы Orfeo , многие сохранившиеся танцевальные пьесы ( Il Ballo della Ingrate, Tirsi e Clori, Volgendo il ciel и т. д.), а также инструментальные аккомпанементы, которые он написал для своих поздних мадригалов.

Фактически, первая должность Монтеверди, когда он уезжал из дома в начале 1590-х годов, была игрой на струнных при дворе Мантуи. Этим двором управляла семья Гонзага, которая вместе с соседним городом Феррара оказалась в самом центре самых прогрессивных событий мадригала конца 16 века. И в Мантуе, и в Ферраре были специальные группы певиц, и это способствовало изменению структуры мадригалов. Итак, мы находим трио высоких голосов, доминирующих в нескольких произведениях («Quel augellin che canta» — ниже и «O come è gran martire» среди других) в третьей и четвертой книгах мадригалов Монтеверди.

Кроме того, оба двора были привлечены одними и теми же двумя замечательными поэтами — Торквато Тассо и Джованни Баттиста Гуарини, которые создавали вызывающие воспоминания стихи для новых видов музыкальной обстановки. Это была пьеса Гуарини, Il pastor fido («Верный пастырь»), которая оказалась самым важным источником текстов мадригалов для всех композиторов того периода. Его персонажи — Амарилли, Миртилло, Сильвио и другие — вздыхают и плачут в тысячах музыкальных произведений, и они доминируют на страницах четвертой и пятой книг мадригалов Монтеверди (1603, 1605).

Такие эмоциональные тексты побуждали композиторов экспериментировать с новыми видами диссонанса. «Излишки» Монтеверди в этом отношении лучше всего можно услышать в таком произведении, как «Cruda Amarilli» («Жестокие амариллисы») из его Пятой книги мадригалов. Эту обстановку случайно услышал консервативный теоретик Джованни Артузи, который был с визитом в Ферраре, и это привело к знаменитому спору с композитором. Монтеверди защищался, проводя различие между тем, что он называл «первой» и «второй» практикой композиции: первая руководствуется чисто музыкальными соображениями, а вторая — главным образом проецированием значения слов.

Самыми известными произведениями его мантуанского периода являются опера Орфей (1607) и Вечерня (1610). Хотя опера была изобретена во Флоренции около 1600 года, « Orfeo » Монтеверди является первым шедевром в этом жанре. Успех первого выступления привел к ряду заказов ( Arianna, Ballo della ingrate, L’Idropica), для свадьбы 1608 года между Франческо Гонзага и Маргаритой Савойской. Но скорость, с которой ему приходилось работать, подняла напряженность между Монтеверди и Гонзагами на новый уровень, и он невольно оставил их работу в 1612 году.

Монтеверди потребовался год, чтобы найти новую должность, но в августе 1613 года он был назначен маэстро ди капелла собора Святого Марка в Венеции. В течение следующих 30 лет он был в центре венецианской музыкальной жизни, якобы как священник, но также привлекал светские комиссии как в этом городе, так и в других местах. Период до 1630 года, кажется, был особенно напряженным, и его церковная деятельность заставляла его писать мессы и песнопения. Он также возобновил контакты с Гонзагами, предоставив им несколько сценических работ ( Tirsi e Clori, Andromeda, Apollo, Le tre costanti ).

Его частными клиентами в Венеции была семья Мочениго, для которой он написал оперу Proserpina rapita и более известную Combattimento di Tancredi et Clorinda , которая была опубликована в его Восьмой книге мадригалов. Этот последний сборник содержит предисловие, в котором Монтеверди оправдывает использование новых музыкальных стилей — в частности, concitato, («взволнованный») и rappresentativo, («репрезентативный», то есть «сценический»). Модель Combattimento Монтеверди с ее повторяющимися аккордами, изображающими звуки битвы, представляет собой примеры первого, а прекрасный Lamento della ninfa с его возможностями для драматического отклика подходит второму.

В 1637 году венецианцы решили открыть первый в истории публичный оперный театр, что дало возможность для последнего большого расцвета его композиционных навыков. Он осторожно вошел в сферу публичной оперы в 1640 году с возрождением своей Arianna , но затем в том же сезоне представил Il ritorno d’Ulisse in patria , который снова был исполнен в следующем году. В 1643 году появился его оперный шедевр « L’incoronazione di Poppea». Спустя три столетия те эффекты его музыки, которые цитирует Каберлоти, — слезы, радость, религиозная преданность — все еще можно услышать.Они помогают объяснить, почему он сохраняется по сей день.

Энтони Прайер

Клаудио Монтеверди (1567–1643) | Композитор

Биография

Клаудио Монтеверди (1567–1643) был итальянским композитором, музыкантом и певцом, который стоял на перекрестке одного из важнейших периодов в истории музыки.

Жизнь и музыка
Монтеверди родился в семье кремонского парикмахера-хирурга и начал сочинять в очень раннем возрасте, и в 15 лет в Венеции опубликовал свою первую книгу из трёх частей мотетов.

В 1587 году он опубликовал первую из девяти книг мадригалов. Это замечательное выступление было завершено его назначением при дворе Мантуи в 1592 году, первоначально он играл на скрипке.

Монтеверди женился на одной из придворных певиц, Клаудии де Катанейс, от которой у него родились два сына и дочь.

К тому времени, когда он был назначен маэстро ди капелла в Мантуе в 1601 году, Монтеверди был широко признан как выдающийся композитор, и его репутация еще более укрепилась после публикации его Четвертой и Пятой книги Мадригалов в 1603 и 1605 годах.

Период Монтеверди в Венеции оказался подходящей вершиной в его карьере. В 1619 году он опубликовал свою Седьмую книгу мадригалов, которая еще больше развила гармоническую смелость его предыдущих томов, а в 1624 году его гибридное развлечение, Il Combattimento di Tancredi e Clorinda, произвело сенсацию на своей премьере.

К сожалению, не вся лучшая музыка Монтеверди сохранилась. Сохранилось только одно трио из его оперы «Прозерпина Рапита» 1630 года, а «Глория» — это все, что осталось от мессы Благодарения 1631 года, написанной специально для св. Марка.

Он мог бы навсегда отложить свое оперное перо, если бы не открытие первых публичных оперных театров в Венеции в 1637 году, для которых он написал три последних шедевра: Il Ritorno d’Ulisse in patria (1640), Le Нозце д’Энеа в Лавинии (1641 г., утрачено) и L’Incoronazione di Poppea (1642 г.).

Монтеверди умер в следующем году и был похоронен в церкви Фрари в Венеции.

Знаете ли вы?
Опера Монтеверди «Орфей» рассказывала мифическую историю об Орфее — музыканте, который после смерти его жены Эвридики отправился в Аид, страну мертвых, чтобы попытаться вернуть ее.Это была сказка, к которой композиторы возвращались снова и снова.

Клаудио Монтеверди // Краткая биография

Биография композитора — Клаудио Монтеверди

Продолжительность: 1 мин. 31 сек. | Дата выхода: 9 мая 2016 г.

Клаудио Монтеверди родился 9 мая 1567 г. в Кремоне, Италия.

Несмотря на то, что сегодня многие люди не очень хорошо знают его, Монтеверди был важной фигурой в развитии истории музыки. Ему в значительной степени приписывают преодоление разрыва между эпохами Высокого Возрождения и Барокко.

Он сочинял как светскую, так и духовную вокальную музыку в нескольких разных жанрах, включая мадригалы, мессы, мотеты, магнификат и канцонету. Однако было бы легко утверждать, что его наибольший вклад будет в оперу, поскольку он создал первые великие шедевры в этом жанре.

Его первый набег на оперу произошел в 1607 году с песней «Орфей».

После «Орфея» ни одна из других опер Монтеверди не была напечатана и, к сожалению, большинство из них полностью утеряны.

Помимо Орфея, выжили еще двое. В 1641 году он написал «Возвращение Улисса», а в 1642 году — «Коронацию Поппеи».

В 1640-х годах, ближе к концу своей жизни, Монтеверди сыграл важную роль в открытии публичной оперы, радикального концерта, соответствующего традиционным стандартам Высокого Возрождения, но общепринятого и распространенного на протяжении всего периода Барокко.

Монтеверди умер 29 ноября 1643 года в Венеции, Италия, в возрасте 76 лет.

Смотреть дальше:

Продолжительность: 2 мин. 10 сек. | Дата выхода: 8 февраля 2018 г.

Жан-Батист Люлли родился 28 ноября 1632 г. во Флоренции, Италия.

Самый известный как основоположник французской оперы, Люлли был строгим приверженцем дисциплины с вспыльчивым характером, который был известен своим амбициозным и безжалостным характером.

В 1652 году он работал у короля Людовика XIV в Париже, а в 1661 году стал придворным композитором, чья работа заключалась в написании музыки для роскошных придворных балетов.

Клаудио Монтеверди: Биография — Classic Cat

10 фактов о Клаудио Монтеверди — интересные факты о Клаудио Монтеверди

Итальянский композитор Клаудио Монтеверди (1567–1643) опередил свое время на столетия.Он является одним из лучших композиторов, когда-либо живших, и на рубеже 17-го века он помог революционизировать не только способ написания стихов, но также помог подготовить почву для оперной музыки и начала барокко. Он один из немногих композиторов 17 века, чья музыка регулярно исполняется и сегодня.

Хотя его музыка положила конец ренессансному стилю, его произведения, такие как «Орфей» и «L’incoronazione di Poppea», до сих пор используются в качестве эталона для оперных композиций, которые на протяжении многих лет воссоздаются снова и снова современными композиторами и исполнителями.

Лео Шраде написал книгу под названием «Монтеверди: создатель современной музыки в 1950 году», и с тех пор он сохраняет это название. Если вам интересно узнать об этом великом итальянском маэстро, вот 10 ИНТЕРЕСНЫХ фактов о композиторе — Клаудио Монтеверди:

Не стесняйтесь Подпишитесь на наш канал на YouTube , если вам нравится это видео!

1. Семейная жизнь

Отец Монтеверди был химиком, который также был практикующим хирургом, что может помочь объяснить, почему он был таким модернистом.Итальянский мастер родился в Кремоне в 1567 году и был единственным ребенком в семье. С юных лет он получал уроки у Марка Антонио Ингегнери, маэстро городского собора. К 15 годам он уже создал свою самую первую композицию.

2. Он получил много критики

Монтеверди постоянно критиковали его коллеги-композиторы. Тем не мение; Больше всего он пострадал от громких нападок консервативного теоретика музыки Джованни Мария Артузи. Артузи упрекал уникальный гармонический язык Монтеверди во многих своих работах, включая гармонии в Четвертой книге мадригалов.Чтобы отреагировать на критику Артузи, Монтеверди ответил в предисловии к своей новой публикации, Пятой книге мадригалов, объяснив Артузи, что то, что он так публично критиковал, было просто новым способом мышления или seconda Practica.

3. Он отец оперной музыки.

Монтеверди был одним из первых, кто преобразовал оперу из того, что исполнялось только перед принцами и элитой, в форму искусства, которая могла бы быть оценена публикой. В его время в повестке дня была сложная музыка эпохи Возрождения с ее многогранными вокальными линиями.Однако композиторы и исполнители стремились отложить это в сторону для чего-то нового, когда певцу будут аккомпанировать вспомогательные аккорды и инструменты.

Именно здесь родилась опера. Прежде чем это было впервые публично показано, Монтеверди и его коллеги-артисты встречались в аристократических семьях, чтобы обсудить, как они будут создавать музыкальные драмы. Таким образом, Монтеверди проложил путь к эволюции оперы. Вскоре после этого он произвел Орфея.

4.Утраченные произведения Монтеверди

Монтеверди очень рано осознал, что в оперной игре, чтобы опера как новый музыкальный жанр была успешной, она должна иметь широкую музыкальную структуру, поддерживающую драматический поток. Это объясняет, почему Орфей добился такого огромного успеха. Однако Монтеверди придумал как минимум 12 других опер, которые якобы утеряны. Единственные сохранившиеся фрагменты его композиций, которые позволяют создавать полноценные перформансы, — это Il Ritorno d’Ulisse in Patria (1640) и L’Incoronazione di Poppea, созданная в 1642 году, незадолго до его кончины.Обе эти оперы были исполнены, когда в 1637 году открылся первый оперный театр Венеции.

5. Клаудио и Клаудия

В 1599 году Монтеверди женился на своей жене Клаудии Каттанео, которая была придворной певицей. У пары было трое детей, но один из них скончался в младенчестве. Через несколько недель после того, как был впервые произведен Орфей, его жена скончалась после многих лет болезни. После ее смерти Монтеверди пережил длительную депрессию, но выздоровел после того, как его вызвали для создания оперы о браке Франческо Гонзаги и Маргариты Савойской.

6. Он преобразовал базилику Сан-Марко в Венеции

В его эпоху быть назначенным директором базилики Сан-Марко в Венеции было большой честью. Базиликой годами плохо управляли неэффективные маэстро, и в 1613 году администраторы убедили Монтеверди взять на себя ответственность за музыкальные операции. За короткое время Монтеверди полностью преобразовал базилику, полностью реорганизовав операцию. Он нанял новых игроков и певцов, которые были хорошо обучены, он пополнил библиотеку и обеспечил платформу, на которой мог объединиться репертуар старого мира и новые музыкальные композиции.Он сохранял титул директора в течение следующих 30 лет.

7. Мадригалы

Мадригалы были популярны в период Возрождения, но в отличие от оперы, которая была разработана для одного голоса, мадригалы были частями, предназначенными для исполнения несколькими голосами. Монтеверди создал девять книг мадригалов, в которых закреплены достижения всех мастеров позднего Возрождения. Однако это также проложило путь к созданию новой эстетики в музыкальном барокко.

8.Церковная музыка

Помимо оперы и мадригалов, он также известен своим сборником духовной музыки. Его помнят за его потрясающую коллекцию произведений, которые были опубликованы в Венеции между 1640 и 1641 годами. Коллекция партитур была известна как Псалмы Венеры. Он также создал мессу благодарения в 1631 году.